martes, 13 de octubre de 2026
La historia del rock en 15 minutos y 64 canciones.
Como siempre que se hace una lista puede que la selección de canciones (64) y estrellas del rock (384) sean discutibles, pero hay que reconocer que History of Rock de la gente de Ithaca Audio tiene un montón de trabajo detrás.
Videoclip: Stormtrooper.
Bara Heiða es una banda islandesa que ha utilizado un soldado de asalto de las tropas imperiales como protagonista de su último videoclip: narra cómo sería la «vida cotidiana» de uno de los efectivos con peor puntería de la historia universal de guerras y batallas.
Peso a lo incómodo de la situación la historia tiene un lado romántico, simpático e incluso feliz, como no podía ser menos; pero mejor que no sepas islandés: dicen que la letra de la canción acaba con el soldado volviendo al frente y dejando atrás a sus seres queridos. ¡Malditas guerras galácticas!
Melissa McCracken, la pintora que oye la música en colores.
Melissa McCracken tiene sinestesia, esa condición neurológica que hace que los sentidos funcionen entrelazados, de tal forma que, en su caso, escucha la música como colores. Dependiendo del género la ve de una forma u otra.
La música expresiva como el funk es mucho más colorida, pues todos los instrumentos, melodías y ritmos crean un efecto altamente saturado. Las guitarras son generalmente doradas y angulosas, y el piano es más en tonos mármol y espasmódico debido a los acordes. Rara vez pinto música acústica porque a menudo sólo hay una persona tocando la guitarra y cantando, y nunca pinto canciones country porque son aburridos marrones apagados.
Como le pasa a muchas personas con sinestesia para ella era perfectamente normal oír la música en colores, y no sospechó que el resto del mundo no era así hasta los 15 años.
Hasta los 15 años, creía que todo el mundo veía colores constantemente. Colores en libros, colores en fórmulas matemáticas, colores en conciertos. Pero cuando le pregunté a mi hermano de qué color era la letra C (amarillo canario, por cierto) me di cuenta de que mi mente no era tan normal como pensaba.
Básicamente, mi cerebro está interconectado de forma diferente a los demás. Experimento la sensación «equivocada» ante ciertos estímulos. Cada letra y número está coloreado y los días del año circulan alrededor de mi cuerpo como si tuvieran un punto fijo en el espacio. Pero el «mal funcionamiento cerebral» más maravilloso de todos es ver la música que oigo. Fluye en una mezcla de matices, texturas y movimientos, cambiando como si fuera un elemento vital e intencional de cada canción. Tener sinestesia no distrae ni desorienta. Añade una vivacidad única al mundo que experimento.
Después, le resultó frustrante intentar describir con palabras lo que ve, así que empezó a pintarlo en cuadros como estos:
Dice que el color y la forma en la que ve una canción puede variar un poco si se centra en el bajo, en la batería, o en algún otro instrumento, aunque básicamente la ve siempre igual.
El caso de Melissa es similar al de Elizabeth Sulston, aunque en el caso de Elizabeth caso la música activa el sentido del gusto.
Biografías de andar por casa. Stevie Ray Vaughan: el alma del blues y la leyenda de la Stratocaster.
Su pasión por las seis cuerdas comenzó siendo muy joven, inspirado en parte por su hermano mayor, Jimmie Vaughan, también guitarrista. Stevie aprendió escuchando a leyendas como Albert King, B.B. King, Jimi Hendrix y Buddy Guy. No necesitó grandes artificios para destacar: sus bends, su vibrato y la intensidad con la que atacaba las cuerdas hacían que cada nota pareciera tener vida propia.
En los años setenta se curtió tocando en clubes de Texas, hasta que su actuación en el festival de Montreux de 1982, junto a su banda Double Trouble, llamó la atención de músicos de renombre. Poco después publicó Texas Flood (1983), un álbum que lo convirtió en una figura internacional y devolvió el blues eléctrico al primer plano. Canciones como Pride and Joy, Love Struck Baby y su interpretación de Voodoo Child (Slight Return) demostraron que podía honrar a sus ídolos sin perder su propia identidad.
Anécdotas de un guitarrista irrepetible
Una de las curiosidades más conocidas de Vaughan era su guitarra favorita, una Fender Stratocaster apodada «Number One». Era un instrumento muy usado, con el acabado desgastado y un mástil que no correspondía exactamente a las especificaciones originales. Stevie la convirtió en una extensión de sí mismo, y aquel sonido robusto pasó a ser una de sus señas de identidad.
También era famoso por utilizar cuerdas muy gruesas y afinaciones graves, una combinación que exigía mucha fuerza en los dedos. A pesar de ello, conseguía tocar con una expresividad extraordinaria, demostrando que la técnica solo tenía sentido cuando estaba al servicio de la emoción.
Pero detrás de aquel músico de presencia arrolladora hubo también una persona que tuvo que luchar contra sus adicciones. Tras atravesar una etapa muy difícil, ingresó en rehabilitación en 1986 y logró retomar su carrera con energías renovadas. En 1989 publicó In Step, un disco que reflejaba su recuperación y que incluía temas como Tightrope y Crossfire.
En Montreux, en 1982, parte del público abucheó a Stevie Ray Vaughan y Double Trouble por su potente blues eléctrico. Sin embargo, entre los asistentes estaban David Bowie y Jackson Browne. Bowie quedó impresionado y poco después contó con Stevie para grabar las guitarras de Let’s Dance, mientras que Browne les ofreció su estudio para grabar las primeras canciones de Texas Flood. Aquel concierto que no convenció a todos terminó abriendo puertas decisivas para su carrera.
Pero detrás de aquel músico de presencia arrolladora hubo también una persona que tuvo que luchar contra sus adicciones. Tras atravesar una etapa muy difícil, ingresó en rehabilitación en 1986 y logró retomar su carrera con energías renovadas. En 1989 publicó In Step, un disco que reflejaba su recuperación y que incluía temas como Tightrope y Crossfire.
El 27 de agosto de 1990, cuando su carrera volvía a estar en pleno auge, Stevie Ray Vaughan murió en un accidente de helicóptero en Wisconsin, después de participar en un concierto junto a Eric Clapton, Buddy Guy y su hermano Jimmie, entre otros músicos. Tenía solo 35 años.
Su historia terminó demasiado pronto, pero su música continúa viva. Stevie Ray Vaughan no solo tocaba blues: lo sentía, lo sufría y lo convertía en electricidad. Escuchar sus solos es recordar que, a veces, una guitarra puede decir mucho más que mil palabras.
Discografía de Stevie Ray Vaughan
Álbumes de estudio
1983 — Texas Flood
1984 — Couldn't Stand the Weather
1985 — Soul to Soul
1989 — In Step
1991 — The Sky Is Crying (póstumo)
Álbumes en directo
1986 — Live Alive
1997 — Live at Carnegie Hall
1999 — In the Beginning
2015 — Live at Montreux 1982 & 1985
Álbumes recopilatorios y cajas
1995 — Greatest Hits
1999 — The Real Deal: Greatest Hits, Vol. 1
2000 — Blues at Sunrise
2006 — The Essential Stevie Ray Vaughan and Double Trouble
2014 — The Complete Epic Recordings Collection
Álbumes grabados con otros artistas
1983 — Let's Dance — David Bowie (Stevie Ray Vaughan toca la guitarra en varias canciones)
1990 — Family Style — The Vaughan Brothers, junto a su hermano Jimmie Vaughan
Stevie Ray Vaughan & Double Trouble - Pride And Joy (Live at Montreaux 1982)
Biografias de andar por casa. Chuck Berry: el padre del rock and roll.
Entre sus canciones más famosas destacan Johnny B. Goode, Roll Over Beethoven y Maybellene. Su forma de tocar la guitarra, sus letras sobre la juventud y sus movimientos en el escenario lo convirtieron en una auténtica leyenda de la música.
Un par de anécdotas curiosas
Una de las cosas más características de Chuck Berry era su famoso duck walk o «paso del pato», un movimiento en el que avanzaba por el escenario con las rodillas flexionadas mientras tocaba la guitarra. Este gesto se convirtió en una de sus señas de identidad y fue imitado por muchos guitarristas.
Su canción Johnny B. Goode fue incluida en el disco de oro que la NASA envió al espacio en las sondas Voyager en 1977, como muestra de la música y la cultura de la Tierra.
Chuck Berry falleció en 2017, a los 90 años, pero su música sigue viva. Su influencia fue tan grande que hoy se le recuerda como uno de los grandes pioneros del rock and roll.
Pulp Fiction - "You Never Can Tell"
Escuela de rock (la película de 2003) tiene el mejor resumen de la historia del rock en un fotograma.
Circula desde hace años esta reproducción de la pizarra con la Historia del rock de la película Escuela de rock (Richard Linklater, 2003). El largometraje protagonizado por Jack Black sin duda estaría en nuestra lista de las mejores películas malísimas, aunque teniendo un 7,2 en la IMDB podría incluso competir con la bazofia reciclada que se estrena hoy en día.
La lista es interesante no solo por lo precisa y sucintamente resumida, sino porque además muestra los grupos más relevantes de cada corriente del Rock’n’Roll y es capaz de abarcar casi un siglo de música desde el Blues y el Country hasta el Heavy Metal y la música de los 80.
En la película la secuencia dura unos pocos segundos y no deja de ser casi una imagen «de fondo», así que tiene mérito que dedicaran tanto tiempo a su precisa preparación y mejor representación. Un profesor «de verdad» no hubiera utilizado una distribución tan clara y precisa de los textos y recuadros, sin tachón alguno, pero bueno.
Por cierto que si se envía esta imagen a GPT-4o y se le pregunta por el artista o grupo más influyente en toda la historia del rock la respuesta es al principio un tanto vaga, pero acaba decantándose por un ganador claro: The Beatles. La banda que influyó en más estilos, desde el rock psicodélico al progresivo, el rock duro y la nueva ola.
Documental Sisters With Transistors, un recuerdo a las pioneras cuasi olvidadas de la música electrónica
Este estupendo documental se puede encontrar en Filmin y Prime Video, el Tráiler subtitulado al castellano a continuación y debajo del tráiler la sinopsis.
"Esta es la historia de las mujeres que escuchan música en su cabeza"
Como muchos otros campos el de la composición musical lleva años –¿toda su historia?– dominado por hombres. La música electrónica no es una excepción a pesar de, por definición, pertenecer al siglo XX, cuando era de esperar que las cosas hubieran cambiado un poco. Sisters With Transistors, dirigido por Lisa Rovner, recupera los nombres de algunas de las pioneras del género que, para variar han sido bastante olvidadas.
A lo largo de casi hora y media nos acerca a las figuras de Clara Rockmore, Daphne Oram, Bebe Barron (y su marido Louis), Pauline Oliveros, Delia Derbyshire, Maryanne Amacher, Éliane Radigue, Suzanne Ciani y Laurie Spiegel. No usa material nuevo sino que las presenta mediante imágenes ya existentes. Pero sí es nueva la narración que las acompaña, que está a cargo de Laurie Anderson.
No sólo habla de la contribución de cada una de ellas a la historia de la música electrónica tanto en cuanto a sus composiciones y su forma de ver la música y su uso de los nuevos instrumentos que la tecnología puso a su alcance sino que también habla de su lucha por la emancipación, tanto en la música como en la sociedad. Muy, muy recomendable si tienes interés en la música electrónica. O en la música en general. O en el papel de las mujeres en la cultura. Eso sí, los clips escogidos por la directora no dan demasiada información biográfica acerca de ellas, así que para eso os dejamos los enlaces del párrafo anterior.
En teoría está disponible como vídeo bajo demanda en Vimeo en distintos países, España incluida. En la práctica no me dejaba verlo así que he tenido que recurrir a «otros métodos».
Como material extra he encontrado una lista de vídeos en YouTube hecha por Patrick Pagano que también se llama Sisters With Transistors en la que se puede encontrar las versiones completas de mucho del material fuente usado en el documental.
Un bonito ejemplo de sonificación: la música de los púlsares.
Pulsar Music
El vídeo Pulsar music tiene ya algún tiempo pero se me había pasado. Es una sonificación de datos recogidos por el telescopio espacial de rayos X Spektr-R del programa RadioAstron. En ella se hace corresponder la frecuencia de distintos púlsares con sonidos que se corresponden con ella; de otro modo no oiríamos nada porque los púlsares emiten en ondas de radio que los seres humanos no somos capaces de recibir. Básicamente a mayor frecuencia, sonidos más agudos, mientras que a los púlsares con frecuencias más bajas se les asocian sonidos más graves y con más armónicos. Creo. Que me gusta mucho la música pero mi oído musical deja mucho que desear.
Los púlsares son estrellas de neutrones que giran muy rápidamente sobre ellas mismas y que emiten chorros de radiación electromagnética extremadamente potentes –casi inimaginablemente potentes–. Si coincide que en algún momento de esa rotación uno de los chorros apunta hacia nosotros lo podemos «escuchar» con los instrumentos adecuados. Los púlsares nos cuentan cosas acerca de la vida de las estrellas. Pero también podrían actuar como una especie de faros estelares por lo extremadamente preciso de sus señales. De hecho el instrumento Sextant que ahora mismo está montado en el exterior de la Estación Espacial Internacional (EEI) está comprobando la viabilidad de esa idea.
Las sonificaciones, por su parte, son un método bastante usado para presentar información. No sólo permiten obtener resultados estéticamente agradables como esta música de los púlsares sino que permiten estudiar los datos de otra forma, como muy bien explica la astrofísica invidente Wanda Díaz-Merced.
Spektr-R dejó de funcionar en enero de 2019, después de haber estado en servicio una vez y media más de lo previsto. Pero ya ocupa su lugar su sucesor, Spektr-RG. Se une a otros telescopios espaciales de rayos X como Chandra, HXMT, NICER, NuSTAR o XMM-Newton, aunque todos ellos están en órbita alrededor de la Tierra a diferencia del Spektr-RG, que está en el punto de Lagrange L2 del sistema Tierra-Sol.
Los sintetizadores usados por Mike Oldfield, desde 1973 a la actualidad.
- Roland Vocoder Plus 300 VP-300
- ARP String Ensemble
- Roland SH-2000
- Ensoniq SD1
- Roland JD-800
- Roland JD-990
- Korg M1
- Roland D50
Lo más interesante es que pueden escucharse en breves interpretaciones en vivo de las diferentes canciones y obras, comparadas con los originales que suenan de fondo. Desde los míticos Tubular Bells I y II a Five Miles Out pasando por melodías de QE2, Ommadawn, Incantations, Taurus I y canciones como Sheba, Punkadiddle o The Great Plain.
Me pregunto cómo habrá podido tener acceso a tantos sintetizadores; supongo que cuestión de afición y coleccionismo. Y visto lo visto, a Mike Oldfield los de Roland deberían hacerle accionista, porque seguramente haya comprado todo aparato que hayan vendido. Pero qué decir de un creador musical que se encerró durante meses en un «castillo» (The Manor) propiedad del mismísimo Richard Branson para crear su ópera prima y cuya colección de guitarras y sintetizadores debe ser casi infinita. Tras haber vivido muchos años en Ibiza, dicen las crónicas que últimamente se ha establecido en Barbados y lleva una vida relativamente austera.
Mike Olfield - Tubular Bells 1 (Part One) 1973
lunes, 12 de octubre de 2026
Bellatrix: la cautivadora belleza de la cristalización grabada a cámara superlenta y superdefinida (8K)
Bellatrix es un experimento visual y sonoro de Sebastien Guerive, un artista que ha plasmado en música e imágenes lo que sucede al agua cuando se congela. Tal y como explica, en la cristalización la saturación química se vuelve inestable durante el enfriamiento y hasta la mas pequeña perturbación en los líquidos activa el proceso, que se puede grabar en diversas formas, enfoques y velocidades.
La obra combina además las bellas imágenes con música electrónica para crear un ambiente abstracto y surrealista.
Biografias de andar por casa. Ronnie James Dio: Del arcoíris al infierno: la carrera discográfica de Dio.
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🤘 El origen de los cuernos del metal
Una de las anécdotas más famosas de Dio está relacionada con el gesto de los cuernos, hoy inseparable del heavy metal. El cantante explicó que lo había aprendido de su abuela italiana, quien lo utilizaba como amuleto contra el mal de ojo. Cuando entró en Black Sabbath, comenzó a hacerlo sobre el escenario, ayudando a popularizarlo entre los fans. Aunque otros músicos ya habían utilizado gestos similares, Dio lo convirtió en un símbolo universal del metal.🐉 Un mundo de fantasía sobre el escenario
Dio no necesitaba grandes artificios para impresionar: su voz podía llenar un estadio. Sin embargo, le encantaba construir mundos fantásticos a través de sus letras. Dragones, espadas, demonios y héroes aparecían en canciones como Holy Diver y Rainbow in the Dark. Esta pasión por la fantasía hizo que sus conciertos parecieran auténticas aventuras épicas.
🎤 Una voz que nunca se rindió
En 2009, Dio anunció que padecía cáncer de estómago. A pesar de la enfermedad, mantuvo la esperanza de volver a los escenarios y siguió conectado con sus seguidores. Falleció el 16 de mayo de 2010, a los 67 años, dejando un vacío enorme en el mundo de la música.
Su legado, sin embargo, continúa vivo. Ronnie James Dio no solo fue un cantante extraordinario: fue un narrador de historias, un símbolo de autenticidad y una de las grandes voces que ayudaron a definir el heavy metal.
Porque algunas leyendas no mueren: siguen rugiendo cada vez que suena un riff y una multitud levanta los cuernos al cielo.
Discografía:
Elf
1972 — Elf
1974 — Carolina County Ball
1975 — Trying to Burn the Sun
Rainbow
1975 — Ritchie Blackmore's Rainbow
1976 — Rising
1977 — On Stage (directo)
1978 — Long Live Rock 'n' Roll
Black Sabbath
1980 — Heaven and Hell
1981 — Mob Rules
1982 — Live Evil (directo)
1992 — Dehumanizer
2007 — Live at Hammersmith Odeon (directo)
Dio (carrera en solitario)
1983 — Holy Diver
1984 — The Last in Line
1985 — Sacred Heart
1986 — Intermission (EP en directo)
1987 — Dream Evil
1990 — Lock Up the Wolves
1993 — Strange Highways
1996 — Angry Machines
1998 — Inferno: Last in Live (directo)
2000 — Magica
2002 — Killing the Dragon
2004 — Master of the Moon
2005 — Evil or Divine: Live in New York City (directo)
2006 — Holy Diver Live (directo)
2010 — Dio at Donington UK: Live 1983 & 1987 (directo)
2013 — Finding the Sacred Heart: Live in Philly 1986 (directo)
2014 — Live in London, Hammersmith Apollo 1993 (directo)
Heaven & Hell
2007 — Live from Radio City Music Hall (directo)
2009 — The Devil You Know
2010 — Neon Nights: 30 Years of Heaven & Hell (directo)
Dio - Raimbow In The Dark (Officil Video)
«Adiós»: un espectacular vídeo musical del musico Jawny grabado en (casi) un solo plano con un dron a toda velocidad
El vídeo parece grabado como un plano secuencia en una sola toma continua, pero da la impresión de que en 01:07 podría haber un poco de truqui cuando el dron sube y enfoca al cielo, porque al bajar y retomar la historia con los globos bien podría ser un segundo plano. Tampoco es que sea muy importante, pero es curioso; recuerda a trucos como los que usaba Hitchcock en La soga, aunque en aquella época era debido a las limitaciones de los rollos del celuloide de la época, que no podían fotografiar más de 10-15 minutos.
También hay que destacar el enorme equipo humano necesario para grabar unos minutos de vídeo musical: además de todos los productores, directores y estilistas hay dos operadores de drones, conductores del camión aguador, un colorista, otro editor de efectos especiales y, cómo no, los encargados del catering (¡ñam!) Este tipo de vídeos se graban en condiciones de seguridad muy controladas, asegurándose de que no haya nadie por las calles, generalmente al amanecer de los fines de semana, que es cuando más tranquila está la cosa, mejor luz hay y menos se trastorna el trabajo cotidiano.
Añado que la canción también mola bastante, con esa peculiar pronunciación de «Adiós» como «A-dí-ooo».Folla con el, un interesante y descaharrante repaso a las canciones que Siniestro Total ha versionado a lo largo de su historia.
El libro Folla con él: Todas las versiones de Siniestro Total y sus circunstancias, escrito por Julián Hernández y publicado por Trama el 13 de abril de 2022, tiene 224 páginas y recopila las versiones musicales que Siniestro Total ha interpretado a lo largo de sus 40 años de carrera.
El autor del texto recuerda que escuchó por primera vez a Siniestro Total a finales de 1982, cuando Diéguez, un compañero de tercero de BUP, puso la canción Ayatollah! en el autobús de Facal. Desde entonces, el grupo ha formado parte de la banda sonora de su vida.
El libro explica cómo se descubrieron las canciones originales, por qué se hicieron las versiones y si llegaron a grabarse oficialmente. Estas versiones no son literales, un aspecto importante porque los derechos de autor hacen que los ingresos de las canciones versionadas correspondan a sus autores originales o a sus herederos.
Además de ofrecer anécdotas y detalles interesantes sobre la historia del grupo y la industria discográfica, Julián Hernández utiliza su característico sentido del humor. También se descubre, por ejemplo, que en Opera tu fimosis la letra correcta es «y no sabes cómo decírselo a Almudena», y no «a tu nena». Julián es, además, el único miembro que ha permanecido en Siniestro Total durante toda su historia.
Aunque el libro solo se publica en formato físico, incluye una lista de reproducción en Spotify con la mayoría de las canciones originales y sus versiones. Algunas no están disponibles oficialmente porque no se consiguió el permiso para grabarlas o porque no se encuentran en la plataforma.
Entre las versiones que pueden encontrarse en YouTube están El trueno azul (Thunderstruck), Cumpleaños (Birthday) y Lincha al casero (Let's Lynch the Landlord). También aparece The Life and Soul of the Party, la canción original de Hoy voy a asesinarte. En SoundCloud, Julián Hernández comparte las versiones correctas de Viene el verano (Here Comes the Summer) y Emilio Cao (David Watts), esta última con Germán Coppini como vocalista.
En conclusión, el libro combina historia musical, anécdotas, información sobre derechos de autor y mucho humor. El autor de la reseña lo considera una obra imprescindible para los seguidores de Siniestro Total.
Miña Terra Galega (Swet Home Alabama)
Mujeres en el punk - Spotify.
Mujeres en el punk.
100 canciones, 5 h aproximadamente
The rule breakers who shaped the punk rock ethos, and the artists who carry it...
Link: ⬇️
https://open.spotify.com/playlist/37i9dQZF1DX51TD2wakW3K
Biografías de andar por casa. Sid Vicious: el rostro más oscuro y trágico del punk
En febrero de 1977, Sid se incorporó al grupo como bajista, sustituyendo a Glen Matlock.
Aunque su fama creció rápidamente, su habilidad con el instrumento era limitada y, durante algunas actuaciones, otros músicos tuvieron que reforzar su sonido.
Sin embargo, su imagen encajaba perfectamente con la estética desafiante de la banda.
Ambos quedaron atrapados en una espiral de adicción y problemas personales que terminó en tragedia. El 12 de octubre de 1978, Nancy fue encontrada muerta en la habitación que compartían en el hotel Chelsea de Nueva York. Sid fue acusado del crimen, pero murió antes de que el caso llegara a juicio.
Falleció el 2 de febrero de 1979, con tan solo 21 años, por una sobredosis de heroína.
A pesar de su breve carrera, Sid Vicious se convirtió en un símbolo de la cara más destructiva del punk, una figura cuya historia sigue despertando fascinación y controversia.
Anécdotas:
1. El origen de su nombre artístico
Su nombre artístico surgió de una forma bastante peculiar. John Lydon, compañero de banda y amigo suyo, tenía un hámster llamado Sid, en referencia al músico Syd Barrett. Cuando el animal intentó morder a Ritchie, Lydon bromeó diciendo que Sid era vicious, es decir, «feroz» o «malvado». Así nació el nombre con el que pasaría a la historia.
2. Un bajista que no era precisamente virtuoso
Sid fue elegido para los Sex Pistols tanto por su imagen como por su actitud punk. Aunque intentó aprender a tocar el bajo, su técnica era limitada. Según testimonios posteriores, en algunas actuaciones su sonido se reforzaba o se sustituía por el de otro músico. Esta paradoja resume una de las características más llamativas del punk de aquella época: la actitud y la energía podían importar tanto como la destreza musical.
3. Su versión de «My Way»
En 1978, Sid grabó una versión de My Way, la célebre canción popularizada por Frank Sinatra. En lugar de imitar el estilo elegante de Sinatra, ofreció una interpretación provocadora y teatral, muy acorde con su personalidad escénica. La actuación se convirtió en una de las imágenes más recordadas de su carrera y mostró que, pese a sus limitaciones como bajista, tenía una presencia singular como cantante.
Sid Vicius - My Way (Original and complete version)
domingo, 11 de octubre de 2026
Jean-Michel Jarre enseñando algunos de los sintetizadores de su estudio de París en una visita guiada.
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Aquí el artista francés hace una breve exposición para la gente de Headliner de su estudio en París y sus mejores sintetizadores.
instrumentos sin duda característicos de sus composiciones.
Visitamos su estudio en un video de YouTube de 7:43m.
Biografias de andar por casa. Joe Strummer: Mucho más que el líder de The Clash.
En 1976 fundó The Clash, junto a Mick Jones, Paul Simonon y otros músicos que fueron pasando por la formación. A diferencia de otras bandas punk centradas en la provocación, The Clash utilizó sus canciones para denunciar las injusticias sociales, el racismo y los problemas de la clase trabajadora. Temas como London Calling, Should I Stay or Should I Go y Rock the Casbah se convirtieron en clásicos del rock.
Strummer también destacó por su curiosidad musical. Incorporó influencias del reggae, el ska, el rockabilly y otros estilos, demostrando que el punk podía evolucionar sin perder su espíritu rebelde. Tras la separación de The Clash, continuó su carrera con distintos proyectos, especialmente Joe Strummer & The Mescaleros.
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Anécdotas:
1. Antes del punk, tocaba en pubs
Antes de alcanzar la fama con The Clash, Joe formó parte de una banda llamada The 101ers, con la que tocaba en pequeños locales de Londres. Todo cambió cuando vio actuar a los Sex Pistols en 1976. Aquella experiencia le hizo comprender que el punk representaba una nueva forma de hacer música y decidió cambiar de rumbo para formar The Clash.
2. El título de London Calling parecía una advertencia
La canción y el álbum London Calling, publicados en 1979, reflejaban la preocupación de Strummer por la situación política y social, la crisis económica y el futuro de la sociedad británica. El título evocaba una llamada de emergencia, como si Londres estuviera avisando al mundo de que algo iba mal. La canción terminó convirtiéndose en uno de los himnos más reconocibles del grupo.
3. Nunca dejó de experimentar con la música
Cuando muchos lo identificaban exclusivamente con el punk de los setenta, Strummer sorprendió al formar The Mescaleros a finales de los noventa. Con este proyecto incorporó ritmos de distintas partes del mundo y publicó discos como Global A Go-Go (2001). Fue una manera de demostrar que su curiosidad musical seguía intacta y que no quería vivir únicamente de la nostalgia de The Clash.
En definitiva, Joe Strummer fue mucho más que un cantante punk: fue un compositor comprometido que utilizó la música para expresar sus ideas y conectar con quienes se sentían ignorados por la sociedad. Su historia es la de un artista que convirtió la rebeldía en creatividad y que nunca dejó de buscar nuevos caminos musicales.
Discografía:
Joe Strummer con The Clash
The Clash (1977): Álbum debut de punk enérgico y reivindicativo.
Give ’Em Enough Rope (1978): Un sonido más elaborado y contundente.
London Calling (1979): Obra emblemática que mezcla punk, reggae, ska y rockabilly.
Sandinista! (1980): Álbum experimental con influencias de numerosos estilos musicales.
Combat Rock (1982): Incluye éxitos como Rock the Casbah y Should I Stay or Should I Go.
Cut the Crap (1985): Último álbum de estudio de The Clash, con una formación renovada.
En solitario y con The Mescaleros
Walker (1987): Banda sonora experimental de la película del mismo nombre.
Earthquake Weather (1989): Primer álbum de estudio en solitario, con rock y ritmos alternativos.
Rock Art and the X-Ray Style (1999): Regreso musical con influencias internacionales y rock alternativo.
Global a Go-Go (2001): Mezcla de rock, reggae, folk y ritmos de diferentes culturas.
Streetcore (2003): Álbum póstumo que combina rock, raíces musicales y letras personales.
The Clash - Should I Stay or Should I Go (Official Video)
sábado, 10 de octubre de 2026
Una canción para cada minuto del día.
Quizá te sorprenda saber que en algún lugar existe una canción con el titulo de cada uno de los 24 x 60 = 1440 minutos del día, desde las 00:00 a las 23:59. Pero mas sorprende que no haya una sola, si no que algunas "horas concretas" tienen 10, 15 ó 20 canciones o mas que se titulan con nombres tan raros como 17:14 - 20:02 ó 07:01. En "The Pudding" crearon una página que es un reloj donde la hora es el titulo de una canción.
Esto puede servir como entretenimiento o como reto. La web no tiene muchas opciones; la más curiosa quizá la que muestra la canción como vinilo dando vueltas a 33 rpm que resulta visualmente muy estetico.
Las canciones están enlazadas con Spotify y naturalmente, la mayoria son de bandas un tanto oscuras y desconocidas. Por desgracia no se puede ver la lista completa y cuando se llega a esa hora en caso de haber varias la elección puede ser aleatoria.
Si te aburres puedes dejar la música puesta todo el día; cada 60s cambiará a una nueva canción y puedes jugar a intentar asociarla los días siguientes, reconociendo la hora exacta en la que estás simplemente escuchando la música de fondo (y quizá la letra) una habilidad perfectamente inútil pero ahí queda.
Link: ⬇️
https://pudding.cool/projects/clocks/songs/
Los roentgenizdat o discos hueso, los discos pirata soviéticos hechos con radiografías
Pero eso no fue impedimento sino mas bien una acicate para que la década de los 50 y de los 60 circularan por allí copias de discos de música occidental hechas sobre radiografías (habitualmente sobre Fotofluorografías).
Que por supuesto, estaban también prohibidos, así que circulaban como contrabando.
Conocidos como "costillas, música de costillas, disco hueso o roentgenizdat", no sonaban especialmente bien y no duraban mucho. Pero hoy en día son una curiosa reliquia de una época pasada y de sus circunstancias, que además, según sea el recorte de las radiografía, hasta queda bonito.
En X - Ray audio hay un montón de información sobre estos discos incluida una sección en la que se pueden ver y escuchar algunos.
Aquí dejo el tráiler de un documental que habla sobre el tema.
viernes, 9 de octubre de 2026
Biografias de andar por casa. Cliff Burton: talento, música y legado.
Con Metallica grabó tres discos de estudio: Kill 'Em All (1983), Ride the Lightning (1984) y Master of Puppets (1986). Su forma de tocar era muy particular para la época, utilizando distorsión, wah-wah y solos de bajo. Destacan especialmente “(Anesthesia) – Pulling Teeth” y el instrumental “Orion”, además de su participación en canciones como “For Whom the Bell Tolls” y “Fade to Black”.
El 27 de septiembre de 1986, cerca de Dörarp, Suecia, el autobús de la gira perdió el control y volcó. Cliff Burton salió despedido del vehículo y murió en el accidente con tan solo 24 años. Su muerte fue un golpe enorme para Metallica, que decidió continuar posteriormente con Jason Newsted como bajista.
Aunque su carrera fue muy corta, Cliff Burton dejó una enorme huella en el heavy metal. Su manera de entender el bajo como un instrumento protagonista ayudó a darle a Metallica un sonido diferente, y su legado continúa especialmente a través de canciones como “Orion” y “(Anesthesia) – Pulling Teeth”. Tras su muerte también recibió un crédito póstumo por “To Live Is to Die”, de ...And Justice for All (1988).
"(Anesthesia) Pulling Teeth"
jueves, 8 de octubre de 2026
Biografías de andar por casa. Jello Biafra: el punk que convirtió la música en activismo.
Jello Biafra, cuyo nombre real es Eric Reed Boucher, nació el 17 de junio de 1958 en Boulder, Colorado.
Desde joven se interesó por la política, la sátira y la música punk, tres elementos que terminarían convirtiéndose en las señas de identidad de su carrera.
En 1978 se trasladó a San Francisco y, poco después, fundó Dead Kennedys junto al guitarrista East Bay Ray. Con Biafra como cantante, la banda se convirtió en una de las formaciones más importantes del hardcore punk estadounidense.
Sus canciones utilizaban el humor negro y la provocación para criticar el poder político, el consumismo, la censura y las desigualdades sociales.
El activismo de Biafra también llegó a los tribunales. En 1985, los Dead Kennedys publicaron Frankenchrist, que incluía un póster del artista suizo H. R. Giger. El contenido provocó una polémica por supuesta obscenidad y Biafra terminó enfrentándose a un proceso judicial. Finalmente fue absuelto en 1987.
La relación entre música y activismo continuó después de la disolución de Dead Kennedys. Biafra desarrolló una carrera como artista hablado, escritor y colaborador de numerosos músicos, además de participar en campañas relacionadas con la libertad de expresión, los derechos civiles y contra la censura.
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Jello Biafra nunca quiso separar completamente el escenario de sus ideas. Para él, el punk podía ser entretenimiento, pero también una herramienta para cuestionar la autoridad y provocar una reacción en el público.
Más que limitarse a cantar contra el sistema, Biafra intentó convertir el propio sistema en parte de su espectáculo. Su carrera demuestra que el punk podía ser música, humor, provocación y activismo al mismo tiempo.
Dead Kennedys - Holiday In Cambodia.
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